Kompozycja w muzyce: pojęcie, podstawy, rola, technika

Kompozycja w muzyce ma swoje podstawy, aspekty teoretyczne i technikę. Teoria jest przewodnikiem po eleganckim i kompetentnym zrelacjonowaniu materiału muzycznego. Technika to umiejętność poprawnego wyrażenia swoich intencji w notacji muzycznej.

Składniki obowiązkowe

Kompozycja w muzyce zakłada istotne elementy towarzyszące, bez których integralność systemu jest niemożliwa. W skład tej listy wchodzą:

1. Autor (kompozytor) i jego praca twórcza.
2. Jego praca, życie bez zależności od siebie.
3. Realizacja treści w określonym schemacie dźwiękowym.
4. Złożony mechanizm urządzeń technicznych, połączonych teorią muzyki.

Każda forma sztuki ma określony zakres technik. Ich przyswojenie jest nieodzownym aspektem pracy twórczej. Muzyka charakteryzuje się dużą pracochłonnością. Z tego powodu kompozytor musi być wyposażony technicznie.

O metodzie twórczej

Zdaniem D. Kabalevsky praca kompozytora jest oparta bardziej na technice niż na kreatywności. I udział pierwszego aspektu wynosi tutaj 90%, udział drugiego 10%. To znaczy, że kompozytor musi znać wymagane techniki i umiejętnie je stosować.

Każdy kompozytor ma swój własny sposób tworzenia muzyki. Charakteryzuje się pojęciem "metody twórczej".

Wielu klasycznych kompozytorów, którzy pisali na orkiestry, miało wyjątkowy słuch wewnętrzny. Mieli przedsmak prawdziwego brzmienia swojej twórczości.

Na przykład B. А. Mozart udoskonalił partyturę do tego stopnia, że pozostało już tylko tworzyć muzyczne nuty...

Kompozycja w muzyce jest więc także badaniem relacji między sposobami ekspresji w systemie kompozycyjnym. Organizacyjny początek przestrzeni twórczej znajduje się tutaj - jest to forma-schemat. Jest to oblicze jedności muzycznej, związane z porządkiem chronologicznego rozwoju dzieła.

Kompozytor tworzy i doskonali swoje dzieło dzięki wewnętrznej wizji prawdziwego brzmienia. Może robić notatki w zeszycie lub na komputerze. Do wyboru melodii używa się zwykle fortepianu.

Etapy kompozycji klasycznej

Początkowym etapem jest stworzenie konspektu. Zwraca uwagę na następujący algorytm:

1. Rozwiązywanie pytań z gatunkiem muzycznym. Wyjaśnienie fabuły.
2. Tworzenie schematu formularza.
3. Wybór metodologii kreatywnej.

W trzecim etapie komponowana jest melodia wyobrażeniowa. Może się to odbyć na podstawie wstępów lub poprzez zastosowanie płynnego narastania. Obraz musi być zgodny z:

• harmonia;
• tekstura;
• dodatkowe głosy z rozwojem polifonicznym.

Utwór muzyczny powinien być łatwo odbierany. Słuchając go, człowiek skupia się na kluczowych punktach i jednocześnie estetycznie się relaksuje.

główne cechy

Kompozycja w muzyce to jedność, charakteryzująca się stabilnością. Tutaj przezwyciężona zostaje stała płynność czasowa, tworząca jednolitą realizacyjną jednoznaczność kluczowych składników muzycznych: tempa, rytmu, wysokości dźwięku itp. д.

Stabilność dźwięku muzycznego odtwarza się jednakowo po dowolnym okresie czasu od jego powstania.

Również skład jest zawsze oparty na poziomie wykonawców.

Kompozycja nieklasyczna

Do komponowania z muzyką trzeba mieć pewne zdolności i kulturę muzyczną.

W każdym przypadku powinieneś przestrzegać zasad tworzenia melodii:

1. Equilibrium. Linia nie powinna być przeciążona. Rytm i intonacja uzupełniają się wzajemnie. A stosowanie skoków w znacznych odstępach czasu, odstępstwa od modulacji i inne tego typu czynniki tylko utrudniają zrozumienie utworu. Można zrezygnować z prostszego rytmu o wyrafinowanej strukturze i odwrotnie.
2. Melodyczna fala. Zasada ta opiera się na tym, że ruch odbywa się kolejno w górę i w dół.
3. Jedność intonacji. Interwały wiodące mogą być obecne w temacie muzycznym. Uderzającym przykładem jest druga intonacja w Requiem Mozarta.

Niezależnie od rodzaju kompozycje w muzyce Kompozycję można korzystnie urozmaicić, znajdując melodię w różnych rejestrach. Na przykład, może rozwinąć się z linii basowej, osiągnąć drugą lub trzecią oktawę, a następnie wrócić do niskich tonów.

Kryteria melodii ekspresyjnej

Jeśli chcesz stworzyć pięknie zapadającą w pamięć kompozycję, wykonaj następujące imperatywy:

1. Przedstawić obraz artystyczny, który ma być ucieleśniony w utworze. Oprzyj ją na swoich celach. Na przykład, czy Twoja kreacja będzie tylko instrumentalna, czy też zawrzesz w niej linię wokalną. Zdecyduj o jego charakterze. W ten sposób można zdecydować się na środki wyrazu.
2. Improwizacja. Obejmuje jak najwięcej grania i słuchania. Określa to optymalną linię melodyczną. Znalezienie ciekawych wariantów wymaga pewnej dozy cierpliwości.
3. Jeżeli p. 2 jest trudne do opanowania, skomponuj melodię, która jest podobna emocjonalnie. Może być zapisany w zeszycie muzycznym, na komputer lub Na rejestratorze.
4. Zmiana. Pracuj z konkretnym tematem dla swojej kreacji. Zmienić jedną lub więcej nut, miar lub tonacji w nim. Zbadaj plusy i minusy wyników.
5. Przeanalizuj inne utwory. Posłuchaj kompozycji, które Ci się podobają. Podkreśl techniki ekspresyjne w nich stosowane. Porównaj je z własną pracą. W ten sposób lepiej zrozumiesz swoje niedociągnięcia (jeśli takie istnieją).

Streszczenia historyczne

Od czasów starożytnych pojęcie integralności kompozycyjnej wiązało się z podstawą tekstową. System taneczno-metryczny był uważany za kolejny fundament.

Wraz z rozwojem muzyki zmieniała się także teoria kompozycji. W XI wieku Givdo z Aretu wyprodukował swój "Micrologue". W nim, pod pojęciem kompozycji, przytoczył umiejętne tworzenie chorału.

Dwa wieki później inny specjalista, Jan de Grokeyo, zinterpretował tę definicję w swoim dziele "O muzyce" jako złożony prace kompozytowe.

W XV wieku Jan Tinctoris napisał "Księgę o sztuce kontrapunktu". Dokonał w nim wyraźnego rozróżnienia na dwie podstawy: notowaną i improwizowaną.

Między końcem XV a początkiem XVI wieku wiedza o kontrapunkcie rozwinęła się w definicję "Sztuki kompozycji".

W XVI i XVII wieku zaczęła się rozwijać stosowana teoria muzyczna.

W kolejnych dwóch stuleciach rozwinęła się jednolita teoria dotycząca harmonii, użycia instrumentów, formy muzycznej i zasad polifonii. Rozwinięta autonomia artystyczna. Pojawiły się podstawy kompozycji w muzyce:

1. Tone.
2. Modulacje.
3. Motywy.
4. Tematy.
5. Kontrasty schematu piosenki i rozwiązań łączących.

Teoretycy skupili się przy tym głównie na cyklu sonatowym w interpretacji klasycznej.

Wraz z aktywnym rozwojem w okresie renesansu koncepcji wolności jednostki twórczej, zmienił się również status kompozytora. W XIV wieku wprowadzono normę wskazywania autorów utworów muzycznych.

XX wiek

Nie wyróżniała się jedną jednolitą doktryną kompozycyjną. A poprzedni muzyczna histrionika Epoki te wyróżniały się wspólną podstawą... Spełniała ona podstawowy warunek jedności struktury dur-moll.

Z powodu jej rozpadu i globalnych kataklizmów ubiegłego wieku, podejście artystyczne uległo znacznej zmianie.

Zunifikowana stylistyka popadła w zapomnienie. To czas wielu stylów. Techniki kompozycji w muzyce były również zindywidualizowane.

Powstały nowe odmiany:

1. Dodekafonia. Podstawą utworu jest tu kombinacja dwunastu dźwięków, które nie mogą się powtarzać.
2. Sonorica. Wykorzystywany jest kompleks wielu dźwięków. Z niej konstruowane są grupy żywe, które sterują działaniem tkaniny muzycznej.
3. Elektroakustyka. Do tworzenia tej muzyki wykorzystywane są specjalne techniki. Ich złożone zastosowanie tworzy mieszaną technikę kompozycyjną.